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第115章 白衣裳阁 2（第2页）

“cut！”

随着剧情的深入，林年却愈发有些力不从心，尤其是文戏部分，对于武戏只要按照导演要求，遵循武指的指导就能拍出没太大差错的场景。但是文戏部分，林年却觉得很难沉浸，或者说她对剧中人物的行为逻辑感到有些困惑和陌生，以至于在讲台词的时候总是很难集中注意力。

要知道，如果一个人无法集中注意力，那么现场的灯光师、摄影师、导演、副导演的活动、声音就会在自己耳朵里放大，哪怕台词顺利地说出来，人的眼神也是飘忽的。虽然林年也知道导演对于剧情的拍摄、演员的演技要求都不是特别高，她划划水也能过去。

可关键是，她是一个认真的人，如果她经历过在演戏时高度集中注意力的情况，那么她自然不愿意在之后的拍摄中退而求其次，得过且过。

一般情况下，带人入戏往往需要其中一方将注意力集中在自己的角色，说得更形象一点，叫沉浸于自己的角色，因此对戏的人不自觉地被这样一份认真代入进去，两个人便实现了拍戏过程中的真正交流。

这也很好理解，一个平时走路总喜欢拖沓着，垮着腰，脖子略有些前倾，面对镜头，她便会有意识地将自己抬一抬，面上的表情也显得郑重，便显得不那么自然。因为她感觉到被镜头以及镜头后那个人凝视了，这种凝视仿佛带着一股操控的权力，让她有意识地挺直腰杆，板正身子，因此，便不那么自然。

虽然林年还没有滑落到这个程度，毕竟演员早就习惯了面对镜头，就连拍摄中的走位，也能自然走动，而不是想到那里有一个摄像机，我应该走到那里去，这样摄像才能拍到我。尽管她对走位已然不陌生，但她确实无法像平时那样完全忽略镜头的存在。

“抱歉导演，今天有些不在状态。”导演并没有喊停，林年便主动喊了“cut”。

“没事儿，你调整一下，我们再来拍。”导演并没有生气，倒是林年的之前的高效使他印象深刻，这时不在状态里也是可以理解的。

也是林年对自己的要求太高了。演员是典型的情绪劳动，她在投入到一个角色时，要调动起自己的所有七情六欲，将自己挤入另一个人的壳子，台词、肢体也都需要她以一种自然的方式，甚至反自然的方式展现出来，这和日常的行为举止是差别很大的。

这并不矛盾，比如现实中，你厌恶一个人，可以面部表情夸张的翻个白眼，但是在镜头里，就不能太过夸张，而现实中，一个人可能却是面部表情较少，情绪波动不大，那么在剧中反而要适当地丰富自己的表情，调动面部的肌肉，以展现内心活动。

如果一个人始终处于这样的状态里，她势必会累，总需要一些喘息空间。

其实，林年也不是不懂这些，但是她感觉她的注意力难以集中，倒不在于自己一直处于过分情绪劳动的状态里，而是她有些难以揣摩主角的心态。

这个剧本是编剧原创剧本，没有小说支撑，林年只能靠自己的想象去构思自己所饰演的人物。

“导演，我能找编剧聊会儿天，再开始么？或者今天有没有不需要我在场的戏可以先拍着？”

“行，那你去化妆间跟编剧聊聊，我们先拍后边的，不过这个场景还是不能浪费，好不容易搭个大景，还找了这么些群演。”

“好的，没问题，我知道问题所在，解决了就好了。”

驻组的编剧只是团队的其中一员，只负责了剧情的一部分，但是因为团队内部在创编剧本时已经讨论过很多轮，从主角人设到剧情走向，是否添加感情线，怎么添加，添加给谁都经过一轮又一轮的讨论。

林年听着编剧跟她分享的那些讨论，被舍弃或者被写入剧本的设定，对白之闲的想象倒是更加具体了一点。

其实完成一个角色靠的还是演员的想象，之所以说一部好剧是编剧、导演、演员、灯光、摄像等所有人的共创，是因为每个人都只完成自己的部分，其他的部分都要靠其他人补齐。

编剧负责剧情，导演负责掌控和调度等、灯光师、摄像、化妆就更不用说了，但有了这些，并不代表演员的想象就不重要了。剧中人物的性格、思想、情感、动机和行为之间的细微差别，编剧并不会完全给出，编剧只是保证剧情的逻辑没有问题，具体的人物的肢体表现，甩不甩胳膊，走路时佝偻着腰还是拖沓着脚都要靠演员去补充和深化。

古偶剧并不比历史剧就更容易拍，这也是为什么林年在这部剧感到文戏的别扭，因为她无法想象角色的全部内心，进而就感受不到来自人物的情绪，而是只能依靠变动的场景、理性的判断和知道去串联起那些看似熟悉的表演。这是很可怕的，因为碎片式的想象或者看见并不能支撑她创作出整个任务的连续不断的行为。她的情感和体验无法诞生出来，自己的演绎也就无法实现自己的内心欲望。

林年看着夹在自己剧本中的人物小传，不够，还不够！演员应该杜撰、补充剧本上忽略的部分，充分发挥自己的想象力，去创作，去实现导演和编剧无法实现的那些创作。

来不及写字了，她告别编剧，打开语音备忘录，将自己刚才吸收来的新的故事放入自己的想象和对人物的理解中，在不断地输出的过程，整个剧本开始在她的脑海里连贯起来，一个画面接着一个画面，从眼前飘过。